Articles by: Monica Straniero

"Figli" è la storia, comica e commovente, di una coppia, di due persone che si amano e che provano a reggere all'onda d'urto della genitorialità in un tempo caotico e in un Paese dove sembra che tutto cospiri contro il nucleo famigliare. Paola Cortellesi è Sara, è un ispettore sanitario nei ristoranti, ha una bambina di sei anni Anna, e un marito che ama, Nicola. Valerio Mastandrea è Nicola, ha una salmoneria. L’arrivo del secondo figlio, Pietro, sconvolge gli equilibri di tutta la famiglia.

Sarebbe dovuto essere il terzo film girato dal regista Mattia Torre, geniale autore prematuramente scomparso nel 2019. “Mattia mi ha chiamato perché aveva bisogno di un regista che facesse da sostegno, ma che avesse anche con lui qualche legame personale”, ha rivelato Giuseppe Bonito.

Il film è tratto dal monologo “I figli invecchiano”, diventato virale grazie all’appassionata interpretazione dello stesso Mastandrea. Perché come racconta Mattia Torre: “I figli invecchiano. Ma non invecchiano loro. Invecchiano te. I figli ti invecchiano perché passi le giornate curvo su di loro e la colonna prende per buona quella postura. Perché parli lentamente affinché capiscano quello che dici e questo finisce per rallentarti. Perché ti trasmettono malattie che il loro sistema immunitario sconfigge in pochi giorni e il tuo in settimane. Perché ti tolgono il sonno per sempre”.

“Figli”, prodotto da Vision Distribution insieme a Wildiside e The Apartment, è lo specchio della vita di tutti noi. L'esistenza stravolta dall'arrivo di un figlio, la mancanza di sonno, la pediatra guru, le terribili chat di classe, i suoceri, le domeniche, la crisi. Così lo spettatore si identifica in ambedue i ruoli della coppia, padre e madre.

“Figli” è il ritratto di un paese dove se da una parte sono gli anziani a detenere il potere e ad avere la forza di compiere, se lo volessero, un colpo di stato, dall’altra troviamo una generazione di 40enni che vive spesso situazioni lavorative di grande precarietà, che frenano progetti e aspettative per il futuro. Incidendo profondamente anche sui desideri di realizzazione personale più intimi. Italia. Mattia Torre lancia così un chiaro atto di accusa nei confronti delle istituzioni, incapaci di pensare a politiche a sostegno della natalità e della famiglia davvero incisive.

Un film composito che raccoglie al suo interno vari strati narrativi, tenuti assieme dal collante di una scrittura sapiente. Si ride ma un certo punto il realismo si fa mordente, persino tragico. Uno sguardo stanco della società di oggi che impedisce alle donne il distacco dal ruolo tradizionale loro assegnato mentre gli uomini si sentono dei supereroi a fare la spesa, cucinare, pulire, prendersi cura delle necessità dei vari componenti della famiglia, e conciliare tutto con il lavoro.

Nel nostro Paese l'immagine della madre si riconduce all'idea che una donna debba rinunciare a tutto per i figli – conclude Mastandrea - ecco, dobbiamo combattere questa ideologia e renderci conto che essere genitori non è un punto di arrivo, ma un passaggio.

Il nuovo film di Gianni Amelio, "Hammamet” racconta gli ultimi mesi di vita del leader socialista Bettino Craxi, famoso negli Stati Uniti per la Crisi di Sigonella, quando si rifiutò di consegnare agli americani i dirottatori palestinesi della nave da crociera Achille Lauro che furono cosi processati e condannati in Italia. Un Pierfrancesco Favino oltre ogni limite di resa scenica ed attoriale per mimica e cadenza della voce, nel ruolo dell’allora Presidente del Consiglio.  

"Ma non è una biografia di Craxi” – come rivendicato dall regista. Hammamet non è un film di parte, ma un racconto di un dramma umano di chi ha conosciuto l’apice della potenza e si ritrova a fare i conti con sé stesso e quel senso di abbandono e solitudine che assale chi è consapevole che la fine è vicina. Il melodramma si impone sulla rivisitazione storica e ripiega sul travaglio interiore dell’ex presidente del Consiglio socialista, nel film non si farà mai il nome di Craxi. 

La verità dei fatti viene lasciata fuori dalla villa di Hammamet, archiviata in un casellartio giudiziario. La caduta del re è raccontata attraverso lo scontro con la figlia che lotta per lui, Stefania che però il regista ha chiamato Anita, (Livia Rossi) come la compagna di Garibaldi, mito craxiano. Con la politica fuori dai giochi o affidati a scambi con anonimi politici, dove prevale il non detto, rimane la figura di un uomo malato, divorato dalla rabbia e da un sentimento di rivalsa nei confronti di un paese dal quale si è sentito abbandonato, lasciato solo con i suoi fantasmi e in un paese che non poteva dargli le cure sanitarie adeguate alle sue gravi patologie. Quell’Italia di cui Craxi intravede la costa solo dalla spiaggia della cittadina tunisina dove aveva trovato rifugio nel ’94.

Il Craxi, “né esule né latitante”, di Amelio, sembra gradualmente perdere il contatto con la realtà, gridando ragioni come se fossero assolutorie e assolute. Il regista si tiene alla larga dal fornire spiegazioni del perché il segretario del Psi sia rimasto travolto dallo scandalo Mani Pulite e condannato due volte in Italia. Si astiene da giudizi su un modo di fare politica che ancora oggi suscita dibattiti feroci. 

Preferisce una visione parziale su una figura ancora molto controversa nella storia d’Italia che potrebbe far storcere il naso a chi sperava in una qualche forma di riabilitazione e chi invece in una condanna senza attenuanti. “Ho fatto il film che volevo fare, conclude Amelio, non un pamphlet militante”. Il film, che esce in concomitanza del ventennale della morte del segretario del Partito Socialista italiano dal 1976 al 1993, avvenuta il 19 gennaio del 2000 nella sua residenza in Tunisia, è nelle sale dal 9 gennaio.

Presentato in anteprima mondiale alla 75ma Mostra del Cinema di Venezia, The New Pope, la nuova serie originale Sky che Paolo Sorrentino ha ideato e girato dopo The Young Pope, arriverà negli USA il 15 gennaio su HBO. Nella prima stagione si narra l'angoscia di un giovane papa, Pio XIII, interpetato da Jude Law, che a dispetto della sua età impone uno stile religioso conservatore e radicale ma allo stesso tempo si mostra pieno di attenzione e compassione per i più deboli. In "The New Pope", lo vediamo in coma mentre assistiamo all'ascesa al trono papale di Sir John Brannox (Giovanni Paolo III), un aristocratico britannico, colto e loquace.

Nominato due volte per l'Oscar, Malkovich interpreta il suo Papa in modo molto diverso dal Lenny Belardo di Jude Law. Laddove Lenny era un distruttore e un leader profondamente religioso, Brannox è un Papa introspettivo e riluttante. Sotto la sua aura di perfezione c'è un segreto e una certa fragilità che lo rendono vulnerabile al compito che lo aspetta, far dimenticare alla gente il carisma e il buon lavoro compiuto dal suo predecessore, che nel frattempo è diventato santo.

A proposito del suo personaggio, Malkovich ha dichiarato di avere avuto l'opportunità di immergersi nell'universo ironico, bello e grandiloquente di Sorrentino. "Sono un ateo militante - ha dichiarato in varie interviste l'attore americano - però non giudico chi crede, l'umanità ha sempre avuto bisogno degli dei, qualcuno da incolpare, da invocare, che può curare le malattie, porre fine alla povertà e, in generale, dare speranza ai senza speranza".

Come negli espisodi della prima serie Sky Original, anche in The New Pope, ritroviamo la carica barocca del regista napoletano, i suoi tocchi pop, i suoi disegni studiati e l'illuminazione travolgente. I costumi, le ricostruzioni kolossal e le imponenti scenografie evocano la potenza della chiesa. Tuttavia la seconda serie ha un'apertura unica: sulle note di una raffinata musica da discoteca, gruppi di giovani suore ballano all’interno del vaticano. L'uso della nudità e della musica diventano insomma il mezzo espressivo per estremizzare le differenze tra due uomini che sono profondamente imperfetti, infelici e appesantiti dalle responsabilità del proprio incarico.

The New Pope tra minacce terroristiche, ironia e invezioni narrative geniali, restituisce visivamente e chiaramente un'immagine tutt'altro che lusinghiera del Papato con l'intento di indagare il rapporto che abbiamo con la fede e con Dio e capire il teatro che c’è nella chiesa.

La Dea Fortuna (the goddess fortune) has a secret, a magic trick. How can you keep someone you love always with you? You have to stare at him, steal his image, shut your eyes and keep them closed. And he will make his way into your heart and from that moment, that person will always be with you. 

That’s the theme of La Dea Fortunata, the new film from the director of Fate Ignoranti, Ferzan Ozpetek, brought to Italian theatres by Warner Bros, two years after Napoli Velata. The Turkish - now naturalized Italian - director goes back to his cinematic roots, focusing on the indissoluble emotional bonds to home, family - even extended - to Rome, and to the importance of building solid connections able to withstand the test of time and of any type of threat. Here, for once, the focus goes beyond the now obsolete issue of sexual orientation and straight to the heart of problems.

Stefano Accorsi plays Arturo, an aspiring intellectual working as a translator and Edoardo Leo is Alessandro, a simple and romantic plumber with a tender heart. They’ve been together for 15 years and their relationship seems to be at the end of the line, their passion has waned, their love has changed and they no longer know how to live with it. As Barbara Alberti, who plays the noble mother Annamaria, wisely states, “It’s no longer about whether we are gay, but whether we are happy.”

Ozpetek explains that he wanted to talk about more than just a couple’s initial encounter. “I’m fascinated by the idea of how, after passion and sex are gone, the relationship can evolve into a different way of being together. I think it’s an issue that resonates with many couples, independently from sexual orientation.”

The occasion comes with two children, entrusted to them by a friend. The two protagonists are then forced to confront profound emotional gaps and the sense of responsibilty as they search for a new definition of love.

Set to the wonderful music of Mina, La Dea Fortunata is a multilayered film, which is clearly aiming for a genre mix between comedy, drama, and horror to try and answer questions that are very personal but also universal. “I took inspiration from a real story, which opened up an entirely new emotional universal that I didn’t know and I didn’t know how I would react to it. What would happen if from one day to the next something unexpected were to happen to us? Are we open to putting ourselves out there? What is our support system? And, more importantly, are we living the life that we always wanted?

La Dea Fortunata not only refers to good fortune, it also evokes the enigmatic statue in the sanctuary of Palestrina near Rome. In the film, it becomes the epitome of free will, centered around the importance of freedom of choice. Because our happiness depends on us alone.